Картины

Живопись, по своему значению для развития человеческой цивилизации можно смело сравнивать с изобретением сельского хозяйства, письменности или музыки. 

После открытия, в 1879 году на сводах пещеры Альтамира, в Испании, удивительных по своей пластике и выразительности изображений животных современный мир узнал о наскальной живописи древнего человека. В ходе изучения этого культурного явления учеными были открыты множественные памятники в разных уголках мира, от Европы до Северной Америки. Уникальные рисунки, изображающие различные виды животных, флоры и фауны, сцены охоты и рыбалки, геометрические фигуры и узоры отличаются поразительной натуралистичностью, с использованием светотеневой моделировки и законов перспективы, а порой они стилизованы и декоративны по своей трактовке. 

О предназначении рисунков в научных кругах ходят многочисленные споры и дискуссии. Часть ученых полагает, что рисунки служили частью ритуалов «охотничьей магии» и должны были, по представлениям первобытных людей, приносить удачу в охоте.

Есть гипотеза, что геометрические узоры в пещерах представляли собой элементы единой коммуникационной системы, которую Homo sapiens применяли для хранения и передачи информации: в примитивных картах или как памятки для запоминания важных мифов или обрядов. Существует, также удивительная, на первый взгляд версия, что изображения, которые обычно считают сценами охоты, на самом деле представляют из себя схемы расположения ярких созвездий во время важных событий, а древние люди уже в каменном веке знали о предварении равноденствий. Изображения из пещеры Ласко отражают факт падения на Землю крупного метеорита около 17 тыс. лет назад. 

Живопись, как отражение окружающей действительности, сопровождала человека сквозь века. Благодаря сухому климату Египта до нас дошли чудесные памятники древнеегипетской живописи. Цель живописи и рельефа состояла в том, чтобы увековечить жизнь усопшего в потустороннем мире. Магические достоинства изображения и живописи в значительной степени зависели от качества росписи, и отсюда та тщательность, с которой они выполнены, притом, что качество графики имеет такое же важное значение, как и заключенное в их формах содержание. Изобразительная система, специфический канон и общая стилистика древнеегипетской живописи возымели огромное влияние на развитие мирового искусства.    

В тесном контакте с древнеегипетской цивилизацией была крито-микенская, первые центры культуры, которой были открыты Генрихом Шлиманом в Микенах (1876) и Артура Эванса на острове Крит (с 1899). 

Культ быка, распространенный в этой культуре, и уникальные дворцовые комплексы со сложнейшей архитектурой, украшенные росписями, легли в основу греческих мифов о Минотавре. Главным украшением дворцовых покоев была живопись – самое полное и замечательное выражение критского художественного идеала. Узоры и фигурные изображения на стенах залов располагались обычно до самого потолка, в некоторых помещениях росписи покрывали и потолок. Самым красивым и ярким был т. н. тронный зал — культовое помещение, находившееся на втором этаже западной части дворца. На его розово-красных стенах художники изобразили грифонов (существ с львиным туловищем и головой, и крыльями орла) среди цветущих лилий.

Крито-микенские росписи своими мотивами (сцены охоты на львов, изображения кошек, ловящих птиц) напоминают древнеегипетское искусство. Вероятно, здесь сказались торговые связи критян-мореплавателей с Египтом. В то же время крито-микенская живопись во многом отлична от египетской с ее монументальной строгостью и симметрией. Произведения критских художников отличаются прихотливым рисунком и асимметричными формами. Даже те фрески Кносского дворца, которые изображают торжественное шествие с жертвенными дарами и культовые церемонии, отличаются многоцветной яркостью и живостью. Множество росписей посвящено танцам, пирам, театральным представлениям, играм детей. Ничуть не похожи на суровых и величественных египетских сфинксов грифоны из тронного зала, напоминающие мирных ручных животных, игриво машущих хвостами на цирковой арене. 

В конце XVI в. до н. э. на Крите произошла страшная катастрофа: цветущие некогда города превратились в руины. Скорее всего причиной стало какое-то стихийное бедствие. Долгое время критские города не могли оправиться от разрушения. В XV в. до н. э. они подверглись нападениям ахейских племен, окончательно погубивших цивилизацию Крита.

К сожалению, история живописи древних классиков, греков и римлян (с V в. до н.э.), представляется сплошной загадкой. Ни одна картина в настоящем смысле этого слова не дошла до нашего времени. Известно, что греки ценили и почитали своих художников, в числе которых были Аполлодор, Зевксис, Полигнот, Паррасий, Апеллес и др. Аполлодор и Зевксис занимались станковой живописью. Созданные ими картины украшали жилища горожан или хранились в специальных помещениях — пинакотеках. Современники восхищались способностью живописцев реалистично и убедительно писать с натуры и тонко передавать душевное состояние моделей. Уже в те далекие времена художники умели мастерски применять светотеневые эффекты, использовать иллюзорность, добиваясь абсолютного сходства с предметом изображения. Античные источники рассказывают, что Зевксис настолько достоверно написал виноградную кисть, что птицы пытались клевать ее. 

В Древнем Риме живопись ценилась намного сильнее, чем скульптура. Римские дворцы, общественные здания, амфитеатры украшались скульптурами, настенными росписями, мозаикой и картинами. Из сохранившихся памятников до нас дошли фрески из Помпеи, где мы видим изображенные яркими красками бытовые сцены, натюрморты и мифологические сюжеты, в которых фигурировали боги и герои. Свободная пластическая лепка фигур, которые естественно располагаются в окружающем пространстве, или точно связанных с плоскостью стены,  яркие красочные сочетания, многоплановое композиционное построение – характерные черты древнеримской живописи.

После упадка Римской Империи развитие живописи стало неразрывно связанным с силой распространяющегося Христианства.  Формирование христианства как философско-религиозной системы было сложным и длительным процессом. На смену непримиримости христианства со всем, что несло клеймо язычества, приходит компромисс между христианским и античным миросозерцанием. Первые росписи в катакомбах отражают переход от эллинистического художественного натурализма (приемы иллюнизионистической передачи изображаемого) — к все более обобщенной и менее натуралистичной форме. Стилистически между языческими и христианскими фресками много общего, но по сравнению с помпейской живописью, со светской живописью, украшавшей жилища, это простоватые, небрежные, часто почти непрофессиональные наброски. Однако их роднит с шедеврами римской живописи общность манеры — легкость очерка, неистребимая память о законах человеческой анатомии, свобода позы, жеста, поворота фигуры.

Христианство привнесло с собой и формирование живописи религиозного содержания – иконописи. В узком смысле, принятом в искусствоведении, иконами обычно называются изображения, выполненные в рамках восточнохристианской традиции на твёрдой поверхности (преимущественно на липовой доске, покрытой левкасом) и снабженные специальными надписями и знаками. Создание первых икон предание относит к апостольским временам и связывают с именем евангелиста Луки. Древнейшие из дошедших до нас икон (не считая фресковой росписи в катакомбах) относятся к VI веку и выполнены в технике энкаустики на деревянной основе. 

Средневековье создало культуру, отличную от античной. Это время господства в Византии и Западной Европе монотеистической христианской религии. Византия оставалась единственной хранительницей эллинистических культурных традиций, впитав традиции  искусства Египта, Сирии, Ирана. Искусство Византии испытало воздействие восточных культов, мистических учений, христианской символики и, оставаясь антропоморфным, давно утратило ясность и целостность классического мироощущения. Блеск и парадность, золото и мрамор, красочность и сияние – все оказалось уместным, как символ духовного блаженства. Особенно замечательны византийские мозаики – самое характерное создание византийского гения. Техника мозаик сложна и требует большого искусства. Мелкие разнообразные кубики смальты, из которых выкладываются изображения на стене, мерцают, вспыхивают, переливаются, отражая свет. Удивительные по своему значению, созданные во времена отсутствия единого строгого канона, мозаики собора святой Софии и Равенны представляют собой сцены из Новозаветной истории, изображения апостолов и раннехристианских святых.

Византийское искусство распространялось с христианством за пределы империи, в древнерусских городах – Киеве, Новгороде, Твери, Пскове и Москве, где оно стало основным типом русской средневековой живописи и стимулировало появление многочисленных центров художественного мастерства. Высшей точкой развития византийской традиции на Руси является творчество Феофана Грека, Андрея Рублева и Дионисия.  Их произведения отличаются благородством формы, торжественным и возвышенным ритмом и утонченностью цветового решения. 

С XI века в Европе торжествует романский стиль, позднее уступивший место готике. Романскую живопись отличает формальность стиля, лишенного натурализма и гуманизма. В основу сюжетных программ настенных росписей, где доминирует повествовательное начало, была положена идея непримиримой борьбы божественного блага и греховности человека как выражения дьявольского зла, незыблемости мирового порядка, установленного Богом, который вершит Страшный суд в конце времен.

В целом, романское искусство отражает рост политической и экономической стабильности в Европе. Высокие налоги и обложение церковной десятиной предоставляли средства на строительство новых церквей и их украшение статуями, фресками, картинами, которые, в свою очередь, привлекали в церкви все больше горожан и тем самым увеличивали прибыль церковных учреждений. 

Религиозное по форме готическое искусство более чутко, чем романское, к жизни, природе и человеку. Оно включает в свой круг всю сумму средневековых знаний, сложных и противоречивых представлений и переживаний. В мечтательности и взволнованности образов готики, в патетическом взлете духовных порывов, в неутомимых исканиях ее мастеров ощущаются новые веяния — пробуждение разума и чувств, страстные стремления к прекрасному. В средние века византийский иконографический стиль отождествлялся с эстетикой раннехристианской живописи. Постановление папы и папской курии предписывало считать этот стиль, как в отношении формы, так и в содержательном плане, единственно допустимым для религиозного искусства. Художники Италии, Франции и Северной Европы находили различные пути выхода за рамки византийского стиля. Они стремились разрешить задачу реалистичного пространственного изображения предметов, связать в единое целое все элементы картины, как бы собирая пространство из разрозненных образов, объединяя их в сцену. Эта особенность является объединяющей для таких мастеров живописи как Чимабуэ, Дуччо, Фра Анжелико, Джотто, Анри Бельшоз, Мартини Симоне.

Повышенная одухотворенность готического искусства, нарастающий интерес к человеческим чувствам, к красоте реального мира подготовили расцвет искусства Возрождения. Родиной Ренессанса считают Италию, ведь именно Италия в западноевропейском пространстве — прямая наследница античной культуры. Проторенессанс с его возросшей по сравнению с прошлыми традициями в живописи светскостью о времена дученто (1200-е) и треченто (1300-е) проложил дорогу новому гуманизму. В эту эпоху возник интерес к человеку как сознательной и мыслящей личности. Это время перехода от художника-ремесленника к художнику-творцу, от безымянного мастера к автору. Человек становится подобным богу, он творец на земле, он высшее существо, созданное всевышним. 

Ренессанс преобразил изобразительное искусство, наполнив его живописной телесностью и земной объемностью. Художники научились в полной мере использовать контрасты света и тени как средство моделировки объемов и создания художественного образа. Еще одна находка Ренессанса – прямая и линейная перспектива. Художники кватроченто демонстрируют своё мастерство владения и знания перспективы. Для средневекового человека небо обладало особым притяжением, для человека Ренессанса таким притяжением обладает линия горизонта и ландшафт. С помощью научного знания, геометрии и математики художники создают идеальный мир, не просто подражающей природе, а преображающий её. В начале XV века Филиппо Брунеллески, флорентийский учёный и архитектор, открыл и описал законы линейной перспективы в живописи. Это позволило художникам получать совершенные изображения трёхмерного пространства на плоском полотне картины. Пьеро делла Франческа — еще один мастер, которого по праву называют «отцом» линейной перспективы. Он пишет трактат «О перспективе в живописи», где учение о перспективе выводит на теоретически-практический уровень. И, разумеется, один из самых известных деятелей Ренессанса — Леонардо да Винчи не обошел вниманием этот вопрос и написал труд «О живописи и перспективе», в котором полемизировал со своими предшественниками, выделив три вида перспективы: линейную, воздушную и живописную. 

Эпоха Возрождения открывает новые сюжеты и жанры, античная мифология переплетается с христианством, трактовки образов становятся многозначными. Портрет получает широкое развитие и переходит из профильного, в анфасное изображение, раскрывающее характер и внутренний мир портретируемого. Происходит становление пейзажа как жанра, как фоновому изображению на портретах и религиозных картинах ему придается все большее значение. 

Для работ выдающихся мастеров Возрождения – Рафаэля, Микелянжело, Леонардо да Винчи, Сандро Боттичелли, Мазаччо, Филиппо Липли, А. дель Кастаньо, П. Уччелло, Фра Анджелико, Д. Гирландайо, А. Поллайоло, Верроккьо, Пьеро делла Франчески, Андреа Мантеньи, Пьетро Перуджино, Джорджоне, Тициана характерны ощущение гармонической упорядоченности мира, обращение к этическим и гражданским идеалам гуманизма, радостное восприятие красоты и многообразия реального мира, любовь к повествованию и смелая игра художественной фантазии. 

В творчестве мастеров высокого Возрождения Джоржоне, Тициана, Веронезе и Тинторетто будто воплощена праздничность и светоносная мягкость Венеции. Они словно несут в себе световую энергию. Цвет на их полотнах состоит из множества оттенков, при этом кажется прозрачным.

Искусство Италии эпохи Возрождения оказывало сильное воздействие на соседние страны – Нидерланды, Францию, Германию. Творчество нидерландских живописцев, воспринявших достижения мастеров итальянского Возрождения, в свою очередь оказывало влияние на итальянцев. Усовершенствованная выдающимся живописцем Яном ван Эйком, техника масляной живописи, получившая название фламандской манеры, широко распространилась по всей Европе. 

Особенностью фламандского возрождения стало намеренное искажение реальности и создание гротескных образов. Также, живописи северных стран свойственна архаичность, религиозность, символизм – их искусство имеет меньше связей с античностью.

Критика пороков общества, демонстрация отрицательных эпизодов жизни является отличительной чертой художника-морализатора Иеронима Босха. В творчестве Питера Брейгеля мы видим противостояние добра и зла, отображение скрытого смысла явлений, -ззбезумие и бессмысленность существования человека. Религиозные сюжеты переплетены с повседневными. 

Великие мастера северного возрождения, как и гениальные итальянцы – Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, относились к искусству как к средству познания мира. Ян ван Эйк, Альбрехт Дюрер, Лукас Кранах, Ганс Гольбейн не вернулись к античности «напрямую», как это сделали итальянские мастера, они пересмотрели каноны прошлого века. Это был новый путь духовного, спиритуалистичного и мистичного искусства.

В творчестве этих мастеров проявились религиозные тенденции и изменения, бушующие в то время. Реформация, ставшая «свежей кровью» в застоявшемся католическом болоте, в первую очередь повлияла на создание новых христианских образов в живописи.

В конце XV столетия завершилась испанская реконкиста, и Испания, после открытия Колумбом Америки в 1492 году, стала не только свободным и единым, но и богатейшим государством. Могущество королей, требовало своегот прославления и в живописных образах. Так называемый золотой век испанской живописи начинается с творчества Эль Греко. Его живопись представляет совершенно оригинальную эмоционально-художественную систему, возвращая зрителя к готическим переживаниям.

Во второй половине XVI века маленькие итальянские города-государства переживали глубокий кризис. В Европе нарастала волна религиозной реформации. Италия, где находился престол папы, укрепляла католицизм, который противостоял гуманистическому развитию общества с его ориентацией на античную, а значит – языческую, дохристианскую классику. В искусстве возникает течение маньеризма, плавно переходящее в Барокко. 

Слово «барокко», что означает «причудливый», стало обозначением главного стиля XVII столетия. В творениях мастеров этого направления обнаруживается внимание к простонародным сюжетам и персонажам.  Круг сюжетов расширяется – кроме картин на религиозные и мифологические темы, появляются сцены в тавернах, изображения музыкантов, гадалок. Натюрморт становится самостоятельным жанром. Одним из крупнейших мастеров барокко был Микеланджело да Караваджо. 

Совершенно новую, интимно-психологическую интерпретацию получили у живописца традиционные религиозные темы. Художник внес большой вклад в становление бытового жанра. Свет в его работах освещает главные части композиции и подчиняется вовсе не законам оптики, а лишь воле художника. Светотень – яркие вспышки и глубокий мрак – придает драматизм каждой его сцене. Последователи и подражатели Караваджо, которых поначалу называли караваджистами, переняли буйство чувств и характерность манеры Караваджо, так же как и его натурализм в изображении людей и событий. Болонский академизм, противопоставляемый караваджизму, представляли Аннибале Карраччи и Гвидо Рени. Прославилась и венецианская школа, где большую популярность получил жанр ведуты, или городского пейзажа. Самый прославленный автор таких работ — Д. А. Каналетто.

Самым знаменитым художником Европы XVII века почитали фламандского живописца Питера Пауля Рубенса. В антверпенскую мастерскую Рубенса, придворного живописца правителей католических Нидерландов, испанской инфанты Изабеллы и эрцгерцога Альберта, приходили заказы со всей Европы – из Англии, Испании, Италии и Франции. Рубенс в разных жанрах, писал церковные и мифологические композиции, портреты, декоративно-аллегорические панно, сцены охоты и пейзажи. Прославление красоты и радости жизни сделали Рубенса любимым художником современников. 

Более жесткое, строгое воплощение получил стиль барокко в Испании, воплотившись в работах таких мастеров как Диего Веласкес, Хосе Рибера и Франсиско де Сурбаран, Бартоломе Эстебан Мурильо. Это время называют «золотым веком» испанской живописи. 

Для искусства Испании характерна декоративность, капризность, изощренность форм, дуализм идеального и реального, телесного и аскетичного, нагромождения и скупости, возвышенного и смешного. 

В начале XVII века была провозглашена независимость Нидерландов от испанской короны. Следуя своей вере – кальвинизму, голландцы не украшали церквей. Главными в голландском искуссве были жанровые картины не религиозного характера, а наполненные бытовым, повседневным содержанием. Очень популярные натюрморт и пейзаж достаточно быстро выделились в отдельные жанры. Голландскими живописцами была разработана блестящая техника передачи эффекта скольжения  света по различным фактурам поверхностей.   

Особняком во всем мировом искусстве стоит искусство Рембрандта ван Рейна. Огромное общечеловеческое значение его творчества бесспорно. В отличие от большинства собратьев – голландских художников, Рембрандта продолжают интересовать мифологические и библейские темы. Именно они позволили мастеру возвышать обыденность до высот сказаний. Рембрандт удивительно передает свет. Его магическое поле окутывает фигуры и лица золотым ореолом. Лучезарное сияние мягко выхватывает объёмы, рельеф густых мазков, наложенных на прозрачные поверхности. Преображая, поэтизируя мир, художник раскрывает потаенные его глубины. 

Во Франции королевский двор настолько влиял на развитие культуры страны, что даже господствующие стили получили названия по именам правящих: «Стиль Людовика XIII»,  «Стиль Людовика XIV», «Стиль Людовика XV», «Стиль Людовика XVI».

При Людовике XIV пышное, праздничное барокко соединилось с размеренностью академизма. Французская Академия живописи и скульптуры была основана в 1648 году Шарлем Лебреном. В Академии была введена строгая и жесткая система обучения художеству, образование строилось на изучении античности и искусства Возрождения. В основу своей доктрины академисты положили открытия классицизма, выдающимся представителем которого был Николя Пуссен. Античное искусство оказало на его творчество решающее воздействие. Его героям присущи благородные чувства, они идеально красивы, их жесты сдержаны, скульптурно величавы. Композиции строго выверены по законам геометрии. Однако, пользуясь принципами рационализма, классицизм Пуссена, прежде всего, ориентировался на высокие духовные идеалы. 

Стиль классицизм развивался во Франции с XVII века. Термин образован от латинского слова classicus, что означает «образцовый». Классицисты отвергали барочную эстетику с её хаотичностью и экспрессией. Их искусство холодно и рассудочно. У художников-классицистов разум доминирует над чувствами, строгий идеал противопоставляется причудливости барочных форм. Классицизм и барокко длительное время существовали бок о бок, представляя собой два полюса европейского искусства.

Для классицистической традиции характерно разделение жанров на высокие и низкие. Этот принцип наблюдался и в живописи, и в литературе, и в драматургии. К высоким жанрам относили исторический, мифологический и религиозный. В подобных сюжетах часто звучат героические мотивы, а сопоставить их можно с одой у литераторов и трагедией у драматургов. К низким были отнесены натюрморт, пейзаж и портрет. Такие сюжеты считались менее значимыми, бытовыми.

Восемнадцатый век стал апофеозом окончания эры феодализма, и перехода к капиталистическому обществу. В это время перемены ощущались особенно ярко. Преобразования шли во всех сферах жизни – политической, общественной, социальной. В обществе происходили глобальные изменения. Появились политические партии, периодическая печать. Рос интерес к науке – географии, археологии, истории, экономике, техническим дисциплинам. Все это не могло не сказаться на особенностях живописи того времени. Интерес к проблеме «личность – общество» по-прежнему ставился во главу угла. Художники передавали свое видение мира через изображение бытовых сцен, типичных ситуаций, повседневных образов.

Главенствующими стилями того времени являлись: барокко, которое впоследствии перешло в рококо, классицизм и реализм.

Рококо и барокко являлись отражением выбора аристократии. Отсюда пышность, парадность и приукрашивание, которые так часто критиковали представители прогрессивных масс. Антуан Ватто, Франсуа Буше, Оноре Фрагонар изображают мир наполненный «поэзией наслаждений», игрой и очарованием. 

Композиции картин рококо напоминают театральные сцены, герои танцуют, музицируют, отдыхают, гуляют в парке. Завидные сцены беззаботной жизни.

Реализм являлся олицетворением идеалов низших сословий – купцов, ремесленников, крестьян. Именно в этой части общества настроения того времени ощущались наиболее сильно. Художники реалисты стремились изобразить жизнь без прикрас, но для этого использовали иносказательные сюжеты – мифы, басни, легенды.  Они высмеивали надменность знати и лицемерие буржуазии. Величайшим достижением реализма в живописи являются работы Жана Батиста Шардена. Он принципиально игнорировал моду на изящные сюжеты и парадные портреты. Он был художником «третьего сословия». Но в результате его работы оказались вне времени. Невольно удивляешься, сколько любви к окружающему миру читается в его картинах. Кажется, Шарден восхищался буквально всем, что видел вокруг.

Непревзойденным мастеров городского пейзажа – ведуты, ставшим особенно популярным в XVIII веке был Каналетто. Ему замечательно удавалось передать сложное пространство Венеции, волшебные переливы света, отраженного в водах каналов, и великолепие архитектуры, то сверкающей от солнечных лучей, то погруженной в таинственную тень. 

А во второй половине XVIII века, благодаря открытию фресок во время раскопок Помпей, наступила эра неоклациссизма. Стиль обрёл новое дыхание, а его главным представителем стал Жак-Луи Давид со своими драматично-лаконичными полотнами, полными трагики и героики. Про этого художника говорили, что он своими полотнами «предвосхитил французскую революцию». Его творчество прославляло мужество и долг истинных граждан и патриотов. 

По своему, обособленному пути развития шло русское искусство. Реформы Петра Великого, стремившегося сделать Россию европейским государством, сильно отразились и на развитии русской культуры. Крепнувшему российскому государству требовалась живопись «героическая и возвышенная»,  так что главное внимание уделялось историческому жанру. Однако огромный интерес к новым характерам, к личности сделал ведущим жанром в русском искусстве XVIII века портрет. Выдающимися мастерами этого жанра были Иван Никитин, Андрей Матвеев, Иван Вишняков, Алексей Антропов, Иван Аргунов и Федор Рокотов, Владимир Боровиковский, Дмитрий Левицкий и Антон Лосенко. Очарование их полотен кроется в точности передачи индивидуальных черт персонажей с проникновением в их тонкие и сложные душевные переживания. 

Портретный жанр также получил широкое развитие и в переживающей эпоху необычайного экономического подъёма Англии. В нем наблюдаются влияние рококо и романтизма, традиции голландской живописи и сентиментализма. Выдающимся представителями портретного искусства Англии были Джошуа Рейнолдс и Томас Гейнсборо. 

Девятнадцатый век, с идеями либерализма и социализма, открыл ценность неповторимой человеческой личности. И живопись стала искать интимные связи с человеческой душой. Художественные направления XIX века – классицизм, романтизм, академизм, реализм, импрессионизм, символизм и другие, каждое по-своему, искали пути к пониманию смысла человеческой жизни, ее места в мироздании, искали новые методы отражения действительности и новые способы воздействия на человека. 

Зародившийся в XVIII веке, классицизм продолжал развиваться, при том в разных странах его развитие имело индивидуальные особенности. Художники этого направления, вновь обращаются к образам античности.  Однако, через классические сюжеты они пытаются выразить революционные настроения – стремление к свободе, патриотизм, гармонию между человеком и обществом.

Романтизм, сметивший классицизм – это емкое направление, отразившееся в искусстве многих стран. Смысл его – возвеличивание революционной борьбы, создание новых канонов красоты, написание картин не только кистью, но и сердцем. Эмоциональность здесь ставится во главу угла. Для романтизма характерно введение во вполне реальный сюжет аллегорических образов, искусная игра светотени. Представителями этого направления были испанец Франциско Гойя, немец Каспар Давид Фридрих, французы Антуан-Жан Гро, Теодор Жерико, Эжен Делакруа, британец Уильям Тёрнер. В России к романтизму относят работы Карла Брюллова, Ореста Кипренского, Василия Тропинина и Айвазовского. 

Интересным явлением XIX века стало возникновение объединений, протестующих против академизма. «Назарейцы, или Союз св. Луки» – группа немецких и австрийских мастеров, которые добивались возрождения религиозной наивности искусства Средневековья и Раннего Ренессанса, противопоставив его «академической живописи» культуры эпохи Высокого Возрождения. Подобно назарейцам, видели свой идеал морали и духовности в патриархальном Средневековье и члены объединения английских художников «Прерафаэлитов», творчество которых, в свою очередь повлияло на развитие стиля модерн. 

Еще одним творческим объединением, повлиявшим на развитие мирового искусства, стала Барбизонская школа. Пейзажисты Теодор Руссо, Жан-Франсуа Милле, Жюль Дюпре и другие близкие по творческим установкам художники создали национальный реалистический пейзаж своей родины с обыденными мотивами с участием простых людей, занятых трудом. Характерным приёмом барбизонской школы, предвосхитившим импрессионизм, было создание этюда на пленэре с последующим окончательным завершением работы в ателье.

Серьёзное влияние на развитие европейской живописи и ста¬новление реалистической традиции в изобразительном искусстве оказал испанский художник Франсиско Гойя, который отразил в своих произведениях небывалую жестокость войны между арми¬ей Наполеона и испанцами. 

Одними из основопо¬ложников реализма во французском искусстве стали Оноре Домье и Густав Курбе. В 1855 г. он организовал выставку сво¬их работ под названием «Павильон реализма», приуроченную к Всемирной выставке, открывшейся тогда в Париже. 

В 1863 г., наряду с официальным Салоном, на котором преобладала помпез¬ная портретная живопись, Наполеон III разрешил группе молодых художников ор¬ганизовать собственный «Салон отверженных». Его главным событием стало появле¬ние картины Эдуарда Мане «Завтрак на траве». Мане писал очень контрастными светящимися красками, широкими и быстрыми мазками. Его художественная манера произвела ре¬волюцию в технике живописи и стала важ¬ным шагом к обновлению французского искусства. Мане писал очень контрастными светящимися красками, широкими и быстрыми мазками.

В 1874 г. независимые художники близкие по своим творческим принципам Мане организовали первую самостоятельную выставку, смело выступив против недоброжелательно настроенного жюри Салона, которое год за годом отказывалось выставлять их произведения, смело выступив пр